À l’origine de ce livre, cette question : pourquoi tant de poètes se sont-ils engagés dans la traduction de poèmes en langues étrangères, scellés selon Dante dans l’intraduisibilité par « le lien musaïque » ? Quelle serait une éventuelle relation entre le désir de traduire et le souci de la poésie (Bonnefoy) ?
Sans doute un rapport intime : quand ce souci cherche à donner du sens au sensible, c’est au moyen de la métaphore au sens large, apanage des poètes. Ils tirent, pour la forger, le meilleur parti de la polysémie des mots ; jetant des ponts inattendus entre eux, ils les disposent selon le rythme propre à leur langue maternelle. Ce processus correspond à la « traduction » à travers la grille de la langue (Celan), qui finit par rendre leur langage à la fois particulier et commun. Mais leur parole peut-elle ainsi toucher et tisser des liens au-delà des frontières linguistiques ? Aurait-elle une autre vie dans une autre langue ? Ceci aussi : ce processus doit-il être ignoré dans la traduction ordinaire, dont l’office reste malgré tout l’établissement de contact entre des personnes éloignées dans le temps et dans l’espace ?
Ce livre comporte une partie théorique qui interroge ces questions, suivie de trois articles consacrés à la pratique de la traduction des poèmes : celle de Jacques Dupin par Paul Celan ; celle de Michel Deguy par l’auteur lui-même ; enfin le dernier reprend la question de l’intraduisibilité à travers les traductions françaises des haïkus de Bashô.

Les poètes abordés ici – Yves Bonnefoy, Michel Deguy, André du Bouchet, Jacques Dupin et Philippe Jaccottet – sont tous plus ou moins marqués par le deuil du fondement mythique ou métaphysique, ainsi que des divers savoirs qui y étaient associés naguère. Les quatre premières études scrutent les rapports qu'entretient avec la philosophie leur pensée poétique nourrie dans ce contexte du deuil. À l'exception de l'article sur Deguy, qui traite directement de ses rapports avec Heidegger, nous partons le plus souvent, dans cette première partie, de l'analyse des motifs sensibles comme le souffle, l'air ou la voix figurés dans les œuvres de ces poètes, motifs représentant la fugitivité ou l'absence, et dont l'expression peut rejoindre l'ancienne tradition lyrique.

Ensuite, deux études sont consacrées à la tradition renouvelée de l'Ut pictura poesis. Dans la lignée du projet romantique qui voulait fédérer les arts, les poètes – en l'occurrence, ici, Yves Bonnefoy et Jacques Dupin – maintiennent des rapports étroits avec les arts plastiques. Ils oscillent, tout comme les peintres, entre images et pensées : à travers leurs essais sur l'art de la Renaissance ou sur l'art moderne et contemporain, nous essaierons de voir comment ils ont l'intuition de la pensée interne à l'image produite par les peintres. Le silence ou le vide, ces motifs en apparence négatifs, y joueront un rôle crucial.

Enfin, la plupart de ces poètes ayant des relations avec le Japon, soit par leurs voyages, soit par la fréquentation de la littérature extrême-orientale, certaines de leurs œuvres – telle De nul lieu et du Japon de Jacques Dupin – sont analysées dans les deux dernières études comme les signes positifs de la rencontre de cultures éloignées, signes sans doute d'autant plus intéressants que la mondialisation qui suit son cours ne cesse d'ignorer ou d'amoindrir toutes différences.

This project tried to rethink, through the deepened analysis of some pictorial representations, the meaning of melancholy in the so-called "Post-human" period where Human Subjectivity and Humanist ideals are questioned. The study was carried out in the vein of "Saturn and Melancholy" and " Melancolie: genie et folie en Occident". The melancholy is inseparable from the self-reflection (represented by the bent figure) which goes along with some apprehension of oneself and of his surroundings, expressed in works of art of all time. But we can ask the meaning of this self-reflection in our century where the ancient melancholy (sad passion which can be creative) seems replaced by the depression. If the angel of Durer could not fly, the contemporary man falls, crashes, goes rusty (Kiefer). There might be no catharsis in some contemporary works of art realizing "the Ideal of Black"(Adorno). It seems these works somehow try to restore "the meaning of the World" which seems almost absent now

The first article of Seiji Marukawa resulting from this research project, entitled “The Note on Rhythm and Figure”, examines the fundamental relationship between the Greek word “rhuthmos” and the notions of Form or Figure at their origin, tries further to take into account the influence this connection could have on the conditioning of human perception and imagination, on the formation of his environment, from the anthropological, aesthetical, poetical and philosophical point of view. The second article, “The Note on Rhythm and Figure (s)” took the concrete example from the Aesthetic domain, namely the Swiss painter Paul Klee and his conception of Rhythm rendered in some of his work, discusses the spatial notion of Rhythm, in the historical context and in comparison with the similar conception of his contemporary artists (such as Robert Delaunay). Concerning the poetical language, Seiji Marukawa took part in the International Colloquium on the French poet-philosopher Michel Deguy held in March 2011 and read a paper on his theory of Rhythm (and Figure), which was developed and to be published in a book in the near future. He also made an article on the the collection of poems by Paul Claudel entitled “Cent phrases pour l’eventail”, examined closely how his idea of Rhythm (related to that of Figure) can be detected in the creation of these brief poems extending over several seasons and trips (this article was submitted to an Academic Journal and now is awaiting the verdict). Throughout theses articles is observed : if the notion of Rhythm normally associated with Temporality and Musicality is inseparable from the spatial image, it is nevertheless quite apart from the symmetry and is to be put together with the balance, the equilibrium, crucial notions to conceive Rhythm.

「ポスト・ヒューマン時代のメランコリー」の意義を探索する過程で、今回はバロック期（1600-70年）の表現の特徴の調査に入った。メランコリーの芸術的表現が、ルネサンス期に、新たな人間中心の世界観のいわばネガとしてデューラー等に見られたとするなら、例えばベンヤミンが予感していたような、それに続く時代の表現の性格を再検討する必要があった。反宗教改革、コペルニクス等の影響による世界観の変化を背景とするバロック期の造形芸術は、概して演劇性、レトリカルな特徴（寓意性）、及び巨大化の傾向等を持つとされるが、それら要素の連関がどのような形で表現され得たか、幾つかのケーススタディを通じての研究が開始された。

本年度は研究の準備段階で、まずは基本知識の確認と整理を夏期に行い、その後、冬期に短期間の海外調査を行った。夏期の最初は古典のパノフスキー、クリバンスキーの「土星とメランコリー」を再読し、アリストテレス著とされるメランコリーと天才を巡るテキストの内容の確認から始めた。同じく古代ギリシャにかかわるスタロビンスキーの「デモクリトスの笑い」及び「三つの激情」を読んで問題点を拾い上げ、古代ギリシャのメランコリーの思想の研究をまず開始した。この点ではJ. ピジョーの文献にまだあたる必要がある（その「メランコリー」はまだ途中である）。理論的な文献では、同時にテレンバッハ（の言う「メランコリー」は現代の「鬱」に極めて近い）とマルディネ等、精神病理学の文献にもあたり始めた。美術の分野では、前述の「土星とメランコリー」で大きく扱われているデューラーについて、比較的最近のマルディネによる「デューラー（のメレンコリアへのオマージュ）」を読み、この絵画の意味を再考する手がかりをつかみかけている。アリストテレス以降のメランコリーと天才を結びつける伝統をルネサンス期に受け継いだフィチーノと同時代に現れ、ゴシック中世とルネサンスの新たな人文主義が重なり合う時代、「近代」を前にメレンコリアの表現に重要な意味を見いだした芸術家と、それを辿る美術史家の系譜を捉え直す必要を確認した。また、この点では、冬期の出張で、とりわけミュンヘンでデューラーの「四人の使徒」を初め関連する作品を検討した他、ロンドン、コートールド・インスティテュートのA. ヴァールブルクとデューラーを巡る展示会（及び図書館）で収穫があったと言える。出張ではこれ以外にミラノで（デューラーに影響を与えた）マンテニャの「悲嘆の聖母」を見た他、数カ所の図書館（特にコートールド・インスティテュート）で関連文献、資料の探索にあたった。ここまではまだ、既になされたことを確認し、論文材料となるものの収集課程である。今後、これらの材料をより自分の土俵に近づけて、現代的な文脈でメランコリーの問題系を再検討し、論文執筆を準備しなければならない。

本課題の枠内では、特異な翻訳者でもあったドイツ語詩人のパウル・ツェラン（1920–1970）と、彼の友人だったイヴ・ボンヌフォワ（1923–）、アンドレ・デュブーシェ（1924–2001）、及び同世代のフィリップ・ジャコテ（1925–）、ジャック・デュパン（1927–）、さらにはミシェル・ドゥギー（1930–）の詩の翻訳に関する姿勢の違い、時代的文脈の分析などを試みた。この研究では、翻訳をしなかったシュルレアリストの後に来た世代が、戦争による文明の破壊を目の前にして、伝統との断絶の見直しという意味で、時間的にも空間的にも遠い翻訳に取り組んだかのようであることを、彼らが行った翻訳と、次期を列挙し強調した。この意味で彼らの翻訳（translation）は語源的に言う伝統（tradition）とも伝達（transmission）とも関わっている。またドイツ・ロマン派以降の翻訳思想がこれらの世代の詩人に及ぼした重要な影響として、1)Bildung （文化＝養成）、2)自由訳と逐語訳、3) 翻訳と文献-学、4) 広義の「翻訳」の各問題を検討した。具体的には、これらの詩人の翻訳についての姿勢の相違点を、翻訳についてかかれたテキストの検討を経て行った。また、部分的ながら、違う詩人の同じ詩の翻訳の比較検討などを、仏語、ドイツ語、イタリア語を通じて、ネイティブや外国語教員の助力を得て行った。この研究を進めるにあたり、ジャック・デュパン、ミシェル・ドゥギー両氏から、ツェランに関する貴重な手紙を頂いたほか、冬期にはジャック・デュパンに直接会って、具体的な話を聞くことができた。この成果は、夏期の日本ツェラーン協会において発表された。発表は、論文として同協会の会報に掲載される。また、このいわゆる戦後世代の詩人たちがなぜ集中的に翻訳に取り組んだか、ドイツ・ロマン派以降の翻訳思想と哲学の関連について研究したものが、ミシェル・ドゥギーに関する論叢に掲載される。

研究課題は、フランスの第二次大戦後の世代で最も重要な詩人達、とりわけジャコテ、ボンヌフォワ、デュブーシェ（これにドイツ人だが仲間だったツェランも加えられる）の全てが、散文に比較すると極めて困難な詩の翻訳に関してどういうビジョンを持っていたかを考えることであった。これらの詩人は例外なく、極めて積極的に外国の詩の翻訳に携わっており、しかも翻訳は時として数カ国語に及んでいる。「詩は音と意味の間のためらいである」というヴァレリーの言葉を受け、音と意味の両方を同時に生かすことのできない故に詩の翻訳はほぼ不可能であるとよく言われるにもかかわらず、この世代の詩人がなぜあれほど色々な時代と言葉の詩の翻訳に集中的に関わることになったのかを考えてみる必要があった。昨年夏に研究を開始し、最初はG.スタイナーの「アフター・バベル」及びA.ベルマンの「異邦の試練」の熟読により、（とりわけ独ロマン派を中心とした）ヨーロッパにおける翻訳の歴史的な背景がわかった。引き続きベルマンのJ.ダンの翻訳に関する著作を通じ、私の対象とする世代の詩人の翻訳が戦後のフランスにおいてどういう意味を担っていたかを把握した。また夏の渡仏で、G.ムーナン等一連の翻訳の問題に関する資料を図書館で入手した他、詩の翻訳に関するボンヌフォワのエッセイを集めた「翻訳者達の共同体」という新しい貴重な文献を入手した。このタイトルと、中の「概念は普遍的だが、言葉は身体であり、翻訳できない」という一文に、この一年の重要な成果であり、これからもう少し時間をかけて明らかにしてみたい仮説の手掛かりがある。この世代の詩人はあらゆる思想に幻滅した世代であり、特にシュールレアリスムの主張した共同体の思想を退けていた。目に見える形での共同体の思想は最早信じられないが、バタイユの言う「共同体を持たない者の共同体」があり得る。それは人間に共通する最後の財である言語と、その最も重要な記憶の形の一つである詩を通じて描かれる形のない共同体である。ベンヤミンが、翻訳の意義は原作の（形を変えての）「存続」にあると強調したのはこの文脈で重要である。これらの詩人は20世紀に複雑化したバベル的な状況―この世紀は作家の母語とその所属する国あるいは民族の間に大きな亀裂が生じた時期でもあった―と、戦争による全ての財の崩壊の中で、一種の渡し守となって、危険を承知の上、簡単に運べないものを運ぼうとしたということができるだろう。